​Dinastía de Albañiles. Otras arquitecturas emocionales es el resultado de varios años de investigación, cuya exposición incluye escultura, video, collage, fotografía, pintura y textil entre otros objetos. El eje temático y pieza central de esta propuesta es una escultura concebida por Rolando Flores, construida con la participación de una dinastía de albañiles: Gilberto Vargas Barrón, Roberto Vargas Martínez y Alberto Vargas Ginés; abuelo, hijo y nieto, respectivamente.
La construcción de la escultura y la filmación que registra este proceso fueron llevadas a cabo en un terreno baldío en agosto del 2021, en Ecatepec de Morelos, Estado de México. El conjunto escultórico se compone de tres muros de bloques de hormigón, pintados con los colores que cada uno de los integrantes de la familia eligió. Este se mantuvo erigido en el mismo predio hasta mayo del 2024, cuando fue desmontado bloque por bloque para ser trasladado a la sala del museo. 
Cuando la escultura estuvo terminada, Rolando organizó jornadas para que los arquitectos Paulina Sevilla, José María Gómez de León Cantú y Zaickz Moz pudieran visitarla y realizaran lecturas e interpretaciones. Cada uno generó distintos cuerpos de obra que forman parte de esta exhibición. Las colaboraciones resultaron en un cruce de disciplinas: el arte, la albañilería y la arquitectura, en una alianza entre ellas. “Arquitecto, albañil y escultor eran una misma persona”, proponía Mathias Goeritz en su Manifiesto de Arquitectura Emocional de 1953. Setenta años después, Rolando plantea otras arquitecturas emocionales a partir de la asociación con una dinastía de albañiles y tres jóvenes arquitectos, además de su propia producción. Esta colaboración funciona como detonante para cuestionar diversas reglas y funciones tradicionalmente arquitectónicas, genera diálogos y propuestas que favorecen ejercicios y producciones; además, ahonda en las construcciones emocionales que se desarrollan en los distintos procesos de trabajo. 
El traslado de la escultura funciona como cierre de un ciclo y comienzo de otro. Para ejecutarlo, se tuvo que localizar al nuevo dueño del terreno ya que, como suele suceder en muchas zonas del país, el predio estuvo envuelto en una serie de irregularidades, dejando a la escultura en un vacío legal de propiedad tanto artística como inmobiliaria. La escultura se mantenía firme en su posición original, pero no se tenía acceso físico a ella; se encontraba cubierta por la maleza y mostraba las marcas naturales del descuido.
Para dar continuidad al proyecto de exposición, la escultura seguirá su trayecto en las próximas sedes en El Museo de Arte de Querétaro y en el Centro de las Artes de Nuevo León, en Monterrey. El deterioro de la obra como consecuencia de los desmontajes y reconstrucciones será evidente y formará parte de la historia que la pieza ha acumulado desde su concepción hace tres años. Para Rolando, es importante mostrar y documentar las fracturas y las evidencias del paso del tiempo, ya que éstas operan como testigos de la vida propia que ha adquirido la obra más allá de conceptos cómo autoría, propiedad y pertenencia. Esta obra articula una de las ideas principales dentro del proyecto expositivo, dado que la escultura originalmente se construyó en una de las periferias urbanas más complejas de la ciudad, lugar donde las prácticas artísticas son casi nulas, ya sean como políticas públicas o producciones individuales. Habrá que destacar el hecho de que la escultura ha sido despojada de su contexto original, a donde jamás regresará. De esta forma se evidencian las distancias geográficas, sociales e institucionales entre estos dos contextos tan distintos: el espacio museístico y una localidad reconocida por altos índices de marginalidad. Dinastía de Albañiles. Otras arquitecturas emocionales, se plantea como punto de inflexión entre disciplinas laborales, la periferia y el contexto urbano, y nos permite también cuestionar los límites profesionales entre la creación artística, la arquitectura y la albañilería, desde los diversos procesos creativos y emocionales.

Muestra retrospectiva que da evidencia de la incansable labor realizada por el Profesor Emérito de la Facultad de Artes y Diseño, el Dr. José de Santiago Silva a lo largo de más de 60 años como artista visual, docente e investigador universitario. La exhibición está integrada por su producción artística expresada en diversas técnicas tales como: dibujo, fotografía, pintura, estampa, escenografía o arte asistido por tecnología. Y de su labor académica, dan garantía los registros de sus actividades teatrales, los resultados de investigación editados en decenas de libros, asimismo como  de su gestión cultural es testimonio tanto el trabajo de catalogación, difusión y conservación de las colecciones de la Academia de San Carlos y los diversos cargos universitarios como lo fueron ser Coordinador de Difusión Cultural de la UNAM o Director de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, actual FAD.  En la persona del Dr. José de Santiago encontramos al referente y al pretexto para revisar más de medio siglo, la evolución de las artes y las tecnologías en nuestra querida Universidad Nacional Autónoma de México y en nuestra siempre enigmática nación.

¿Qué es ver para estos tiempos? ¿Cómo funciona el hacer de las imágenes? ¿Cómo se enseña a verlas? ¿Cómo se ha transformado nuestra percepción ante lo visto en los escenarios de la cotidianeidad? En un mundo saturado de imágenes, la Facultad de Artes y Diseño, a través del Museo Universitario de Ciencias y Arte (MUCA), presenta un innovador discurso visual en su Programa Académico denominado “Mundos Imaginarios Comunes”. Este eje curatorial se desarrolla como un laboratorio procesual, propiciando un diálogo continuo con el público universitario y la comunidad en general. A través de la iniciativa “Veo, Veo. Accionar Visualidades”, se busca articular distintas activaciones visuales, apoyadas por la experiencia de mediadoras que facilitan un diálogo enriquecedor entre las piezas exhibidas y su contexto discursivo.
Este año, el programa académico se enriquece con dos módulos que abordan diversas temáticas desde múltiples perspectivas. El primer módulo, “Laboratorio Museológico y de Gestión”, incluye temas como “Modos de ver”, “Gestión cultural, feminismos y disidencias”, y “Museologías críticas y dispositivos expográficos en clave de género”. Estos temas se tratan de manera transversal, ofreciendo una visión crítica y reflexiva. El segundo módulo, “Veo, Veo”, explora temas como la “Construcción visual de imaginarios de las mujeres en la Academia de San Carlos”, la “Deconstrucción visual de lo femenino en la FAD”, y el “Diseño aplicado contemporáneo” como una ventana a nuevas formas de hacer visualidades. La clausura del programa culminará con una “Revisión retrospectiva transversal” realizada por el equipo curatorial VEO, VEO, consolidando así un espacio de reflexión y aprendizaje sobre el papel de las imágenes en nuestra percepción actual.

​https://www.gaceta.unam.mx/se-inauguro-la-exposicion-veo-veo-accionar-visualidades/

Stratum del artista Luis Carrera-Maul, con una curaduría de Peter Krieger, consiste en la construcción de un paisaje monumental a partir de desechos de cerámica y charolas de siembra de unicel, que aluden a la alteración de los suelos por la producción industrial. En la instalación se ponen en juego las temporalidades de la extracción-producción-desecho de la cerámica contra la persistencia del unicel, y se genera una autopoiesis de lo vegetal que cuestiona la producción artificial del ser humano. Esta obra plantea temas y problemas clave de la ecología, como el manejo no sustentable de los suelos y la propagación vegetal bajo condiciones adversas, y ofrece una mirada alternativa al manejo irresponsable del planeta Tierra, además de invitar al diálogo interdisciplinario entre ciencias, humanidades y políticas ambientales.
La exposición Stratum se presenta en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUCA), que se convierte en un espacio experimental y procesual donde confluyen debates complejos entre múltiples áreas de conocimiento. El MUCA cumple con su mandato de constituirse en un "museo dinámico" y ofrecer una plataforma de diálogo no solo dentro de la comunidad universitaria, sino también entre los públicos. Además de la instalación, la exposición incluye un programa académico compuesto por una serie de cápsulas con entrevistas que comentan la obra desde diferentes perspectivas disciplinarias y un coloquio sobre el concepto y los proyectos de la geo-estética. Como evento especial, se realizará un taller sobre botánica constructiva impartido por un arquitecto alemán. Todas las actividades se relacionan con el hecho de que Stratum es un catalizador del conocimiento que busca estimular la conciencia ambiental y orientar y retroalimentar al público interesado en la obra de arte contemporáneo.

Agradecimientos Luis Carrera-Maul: 
Hans Kritzler, Fernando Buendía, Claudia Gómez, Carlos Vicente Diez, Fermín Beltrán, Luis Humberto Carrera Salcedo, Frank Carrera Maul, Daniella Santoscoy, José Julián Carrera Maul, Karina Ballados, Martha León, Alejandro Pérez Saéz, Hugo Ortiz, Paola Esquivel, Germán Rostan, Norma Angélica Romero, Rogelio Romero, Florencio Guzmán Camacho.
 
IMCOSA, SA de CV; PORCELANAS ÁNFORA, S de RL de CV; SANITARIOS ÁNFORA, S de RL de CV; TÁVOLA IMPORTACIONES, SA de CV; CONTENIDOS FRESCOS, SAPI de CV; AGROCASA SA DE CV;  CARRERA SA DE CV; CINESCOPIO S DE RL DE CV; ABC Servicios y Limpieza SA DE CV; ANDAMIOS ULTRA ECOLOGICOS SA DE CV.

Servicio Social MUCA
Hanna Carolina Aramburo Valiente
Vianey M Amaya Moreno
Alejandra Ichim Díaz García
Omar Fernando Barrueta Flores
Dalia Gomez Soto
Andrea Lara Martínez
Lizbeth Lopez Piña
Itzel Luna Hernández
Tania Elizabeth Rodriguez Felipe
Italia Peña Albores

Fotografías: ​Francisco Kochen

La 2nda Bienal Universitaria de Artes y Diseño de la UNAM: Pedir lo imposible, en sintonía con los interrogantes planteados y comentados en el libro del mismo nombre de Slavoj Žižek se está formulando las siguientes preguntas; ¿Cómo problematizar la función del arte y el diseño practicados desde la universidad pública? ¿Qué valores puede y debe reivindicar la investigación académica ante la transformación política que vive la ciudad y el país? ¿Es posible hacer un mundo mejor desde las prácticas culturales y educativas? ¿Acaso pedimos lo imposible? La bienal Pedir lo imposible, auspiciada por la Facultad de Artes y Diseño (FAD) de la UNAM, aboga por prácticas interdisciplinarias, proyectuales, colectivas y socialmente comprometidas como nuevas prerrogativas de la noción de bienal, invitando a la colaboración entre alumnos y profesores pertenecientes a diversos centros de investigación y facultades de universidades públicas, así como activistas e integrantes de los pueblos originarios para materializar proyectos de investigación donde las artes y el diseño juegan un papel central. La bienal está conformada por 10 proyectos de investigación integrados por colectivos con prácticas y formaciones muy diversas, pero con un propósito común; reivindicar el potencial transformativo de las artes y los diseños sobre los paradigmas de conocimiento, investigación y praxis cultural. Pedir lo imposible, pretende poner de manifiesto posibles confluencias y tensiones entre diversos modos de construcción del conocimiento tanto dentro como fuera de la academia, para reivindicar nociones no convencionales de la investigación en la universidad pública y propiciar una conciencia crítica tanto de los actores involucrados con la bienal, como de los espectadores de la misma. Cuando pedimos lo imposible sacrificamos provisionalmente lo factible para hallar en la utopía y en la incertidumbre una nueva forma de pensar y vivir la realidad.

https://bienal.unam.mx​

Dr. Gerardo García Luna
Director Facultad de Arte y Diseño

​Mtro. Pedro Ortiz Antoranz
Secretario Académico

Mtro. Pierre Valls
Director de la Bienal

Lic. Fernanda Barreto
Curadora y Asesora de proyectos

Yutsil Cruz
Curadora y Asesora de proyectos

Israel Aldana y Felipe Alonso
Estrategia Digital

Lic. Javier Martínez
Difusión cultural

Hortencia Domínguez Vargas
Traductora en idioma Náhuatl

Erika Karina Jiménez Flores
Traductora en idioma Náhuatl

Jesús Manuel Alvarez
Diseñador gráfico

Giacomo Castagnola
Museografía

Alfredo Rodriguez
Asistente de dirección y coordinador educativo

​Dr. Eduardo Antonio Chávez Silva

​La montaña invisible es una instalación sonora que tiene como objetivo la tarea utópica de producir el cuerpo fantasma de una cumbre mítica, configurada para existir únicamente en el espacio del Museo Universitario de Ciencias y Arte. 
La instalación contiene diversos datos sonoros y geomorfológicos compilados en distintas montañas como: Saana en Finlandia, Hoverla en Ucrania, Moldoveanu en Rumania y Saos en la Isla de Samotracia en Grecia, así como informes sísmicos del volcán Popocatépetl en México.  Con los datos recopilados, los artistas Nicolás Becker y Ben Russell, crean una montaña sonora única, cuya topografía cambia de lo interno a lo externo, de lo psicológico a lo geográfico. 
La montaña invisible se inspira en la novela El Monte Análogo de René Daumal (1), el proyecto y la obra literaria comparten la impenetrabilidad por medio de técnicas tradicionales de escalada; “es preciso que [la montaña] tenga una cima inaccesible para los seres humanos tal y como los hizo la naturaleza, pero un pie accesible. Debe ser única y debe existir geográficamente. La puerta de lo invisible tiene que poderse ver”. El Museo contiene este relieve que existe y se manifiesta de manera sonora, mismo que responde principalmente  a tres estímulos: la presencia del público en el espacio contenedor, las lecturas de movimiento del volcán Popocatépetl y las ondas cerebrales de Tuomo Tuovinen (Finlandia 1984) protagonista del nuevo proyecto fílmico de Ben Russell que gira en torno al viaje de Tuovinen desde la Laponia finlandesa a Grecia en busca de una montaña flotante ficticia. 
Al igual que una montaña real La montaña invisible, se compone de tres partes:

I. Pie 
​La zona más baja de la montaña donde comienza la ascensión es muy importante, ya que es la parte que sostiene toda la estructura. Los datos de actividad sismológica del Popocatépetl utilizados en esta sección han sido interpretados en sonido cuadrafónico y dan forma al primer nivel del trayecto. 

II. Falda o ladera 
Es una parte que sufre muchos cambios, víctima de la erosión y otros efectos climáticos. En el museo ésta se encuentra delimitada por seis espejos acústicos (paraboloides) y seis paneles donde se concentran las ondas cerebrales de Tuomo, codificadas durante la filmación de la película. 

III. Cima 
La parte superior y última, en donde termina la montaña, alcanzando su mayor altura posible es también la meta final de la ascensión. Las montañas sagradas simbolizan el despegue progresivo del hombre de la esfera cotidiana y su elevación espiritual. La cima esta delimitada por las topografías del Popocatépetl, Saana, Hoverla, Moldoveanu y la isla de Samotracia. La composición musical de este segmento está basada en las enseñanzas del místico George Ivanovich Gurdjieff (2). Este es el punto donde las cualidades externas, físicas de la montaña invisible evolucionan en una experiencia de carácter interior. 
 
La instalación es en cierta forma, una escultura monumental que es a su vez escenario de la travesía de Pierre Sogol - personaje protagónico del texto de Daumal- quien encabeza la expedición al Monte Análogo en busca de hombres sabios que revelen los secretos de los misterios de la vida. La novela de Daumal se considera una interpretación ficticia de los estudios de Gurdjieff, cuyos textos son producto de los diversos viajes que emprendió durante su juventud. 

La montaña invisible es un laboratorio sonoro, una experiencia sensorial y la promesa de un viaje. La instalación propone una profunda exploración sobre las posibilidades sintestéticas de visualización de datos, la producción de fenómenos perceptuales a lo largo del tiempo en el espacio y la fenomenología del sonido. El recorrido por la instalación eso un camino con diferentes bifurcaciones a partir de la experiencia individual del visitante. 


(1) El Monte Análogo es una novela inconclusa de René Daumal, el autor murió antes de poder terminarla. Daumal define la obra como una "novela de aventuras alpinas, no euclidianas y simbólicamente auténticas".
(2) George Ivanovich Gurdjieff (1866- 1949), trajo al occidente un "nuevo" método que llamó el "Cuarto Camino" para completar la transformación personal interior. Sus enseñanzas buscaban despertar un estado superior de conciencia para así alcanzar el potencial humano completo.